Umi Said

Mama Mia !

Fri, 05 Jan 2007 01:09:01 +0100

Un instant de poésie à $1,6 millard.

THE FOUNTAIN

Thu, 28 Dec 2006 15:00:16 +0100

un film de Darren Aronofsky
avec: Hugh Jackman, Rachel Weisz, Ellen Bursty
en salles à partir du 27 décembre 2006

Enfin débarrassé de toute sa fausse modestie, Darren Aronofsky revient au service d’un film fragile et ambitieux précédé par une phase de pré-production désastreuse.

Un temps abandonné suite aux désistements successifs de ses deux acteurs principaux (Brad P. et Cate B.), rapidement suivis de celui des studios, The Fountain ne doit sa raison d’être qu’à la ténacité de son auteur, malade de s’investir corps et âme dans des projets tous tombés à l’eau (triste liste où figurent bien sûr Watchmen, Batman dark knight).
Privé de ses têtes d’affiche, réécrit de façon à entrer dans un budget réduit de moitié par la WARNER, The Fountain version 2006, même bâti sur un tas de cendres, n’en demeure pas moins un film aux traits de singularité absolument excitants.

Rongé par le cancer qui consume sa femme Izzi à petit feu, le scientifique Tommy Creo s’acharne dans son laboratoire à trouver le vaccin miracle qui la sauvera d’une mort prochaine.
C’est à partir de ces quelques lignes que Darren Aronofsky tisse la toile d’une aventure dramatique extrapolée sur trois époques historiques distinctes qui ne cessent de se nourrir les unes des autres. Le présent tout d’abord, où Tommy Creo passe ses journées entre son laboratoire et une maison où la lumière s’estompe de jour en jour ; l’Espagne du XIe siècle narrée par la plume d’Izzi où Creo est un conquistador au service de sa princesse chargé d’aller trouver l’arbre de la vie qui leur ouvrira les portes de l’immortalité et enfin l’an 2500 où Creo est devenu un astronaute solitaire, qui s’exile seul sur le vaisseau qui abrite les derniers restes de l’arbre, avec qui il communique par les sens, dans l’unique but de faire revenir sa femme, dont il n’a toujours pas réussi à faire le deuil.

Parce que son auteur n'en au fond jamais eu la volonté, The Fountain n’est pas la fusion des genres décomplexée que l’on fantasmait tous. Chez Darren Aronofsky, l’aventure est intérieure. Sans doute par peur que le projet ne lui échappe encore une fois, l’auteur semble s’être attelé à une nouvelle ébauche beaucoup plus intimiste, centrée sur l’épreuve que traversent Creo et Izzy. En ce sens, impossible de circonscrire toute la force du film à son réalisateur tant Hugh Jackman et Rachel Weisz forment un couple bouleversant d’intensité, à l’équilibre sans cesse remis en question au fur et à mesure que la maladie les sépare.
Fait rare ces jours-ci au cinéma, les comédiens arrivent chacun à livrer une prestation fragile et émouvante sans jamais sombrer dans le pathos.

Très froid dans ses premiers instants, carrément hésitant dans sa scène d’introduction en forme de bataille barbare où Jackman affronte une horde de guerries mayas (montée comme du Peter Jackson, mais filmée dans un couloir de studio pour un résultat médiocre), toute la beauté de The Fountain est à chercher dans la tristesse aveuglante de Creo qui, à force de se persuader qu’il pourra sauver sa femme à temps, s’enferme dans un univers fantastique dont il est tour à tour le héros et la victime.
Comme un petit garçon à qui l’on aurait raconté trop d’histoires, il s’imagine chevalier en mission pour sa reine durant l’Inquisition.
Et ce n’est qu’une fois projeté dans un futur lointain, seul face aux vestiges de la représentation physique de toutes ses obsessions, qu’il finira par accepter la somme de ses erreurs. Jackman est alors absorbé par toutes les énergies de l’univers puis recraché à l’écran pour un ultime voyage à la croisée des temps. Vingt minutes de pure folie où Aronofsky, complètement en transe, non content de nous en mettre pleine la vue, questionne notre rapport à la lecture de l’image en mouvement pour mieux en faire exploser ses limites. A la recherche du vrai, l’image projetée passe de l’écran aux pupilles pour voyager à l’intérieur de nos veines, atterrir dans notre cerveau, réveiller toutes nos facultés cognitives endormies et repart aussitôt pour aller se réfugier à l’intérieur de notre cœur et exploser dans un feu d’artifice de couleurs. Un dernier chapitre d’une intensité rare qui nous fait pardonner tous les excès de kitscherie dont regorge trop souvent le film. Gros pétard et surdose de em>world music, impossible par exemple de ne pas rester perplexe face à ce combat opposant un dieu maya et un moine bouddhiste en pleine séance de lévitation et à une réalisation trop souvent faite de coupes et de cadrages complètement cheap.

Film amputé et malade, où la grandiloquence de son enchevêtrement d’images folles n’a d’égale que la sincérité qui l’anime au travers de scènes marquantes, The Fountain fait partie de ces films monstres où poussent des fleurs magnifiques entre la fissure de ses murs.
Si l’on a toujours du mal à entrevoir Darren Aronofsky comme un génie visionnaire, héritier de Kubrick ou Tarkovski, nul doute que certains moments de grâce de ses films à venir comme ceux qui parcourent The Fountain auront sur nous un impact indélébile pour de nombreuses années à venir.
La suite, vite.

PAPRIKA

Thu, 07 Dec 2006 14:16:47 +0100

PAPRIKA
un film de Satoshi Kon
avec: Megumi Hayashibara, Toru Fuyara, Koichi Yamadera, Akio Otsuka...

en salles à partir du 6 décembre 2006

Et chez vous, de quoi rêve-t-on ?

Panique au laboratoire du Dr. Tokita, repaire de neuro - scientifiques farfelus, depuis qu’un mystérieux voleur s’est emparé de leur dernière invention, révolutionnaire : la DC MINI, capteur qui, une fois branché sur un patient endormi, permet de sonder ses rêves, dans le but d’en saisir la véritable mécanique. Bien décidée à remettre au plus vite la main sur cette machine aux capacités nocifs pour l’homme, l’austère Dr. Atsuko Chiba décide de se créer un double imaginaire qui rentrera dans l’inconscient de toutes les personnes susceptibles de connaître ou d’être le coupable.
Commencent alors les aventures de Paprika, Louise Brooks électrique et pimentée dans un périple mouvementé à travers les parties les plus reculées de nos cerveaux de spectateurs en manque.

C’est en faisant définitivement litière du récit classique que Satoshi Kon nous revient plus exubérant que jamais pour son quatrième film qu’il considère comme celui « du bilan ». Conscient de la place qu’il occupe dans la micro-sphère de l’animation et du culte qui lui est fait chez nous(acclamé en occident mais toujours quasi inconnu chez lui au Japon, où ses œuvres sont toutes passées inaperçues), Kon n’hésite plus à brouiller les pistes, installe des trappes dans chaque recoin de son oeuvre pour mieux nous surprendre. D’abord en se lançant dans la télévision avec Paranoia Agent (disponible en dvd depuis le début d’année), série d’animation déglinguée et radiographie acide d’une société japonaise au bord de l’asphyxie qu’un gamin enragé va soigner à coups de batte de base-ball et aujourd’hui avec Paprika, film protéiforme excentrique qui aspire tout sur son passage, de la moquette au plafond, en passant par la voisine de droite avec son téléphone qui n’arrête pas de sonner jusqu’à la panne d’essence.
Satoshi Kon, un nom, considéré chez nous comme la figure de proue d’une vague d’auteurs d’animé et de manga dont le travail s’inscrit à l’orée des grosses productions locales, dans un esprit de pop-culture sans frontière : thématiques et mise en scène (ou en bulles) clairement influencée par l’âge d’or d’Hollywood (le polar parano Perfect blue, la fresque épique Millenium Actress et la fable judéo-chrétienne Tôkyô Godfathers, trois réussites notoires), une liberté de ton et d’humeur empreinte à tout un courant de la culture contemporaine européenne qui finissent dans les trois cas par aboutir à des films à part, où les délaissés d’une société fière de sa toute puissance deviennent des héros malgré eux.
Une courte filmographie en perpétuelle rénovation, à laquelle Paprika vient aujourd'hui se greffer

Aussi Geek que frénétique, Paprika fait partie de ces films passés par la case mixeur-intensifs avant d’être servis sur un plateau d’argent, dans l’idée de fonctionné en roue libre afin de perdre le spectateur dans un déluge d’idées, de personnages et de scènes volontairement grotesques. Une statue de la Liberté parade à côté d’idoles « kawai », la même scène de rêve répétée plusieurs fois de suite, des scènes de sexe complètement folles, une allée murée d’affiches de classiques du cinéma américain, un cirque envahit par une armée de sosies flippants…

Si réussi soit-il dans son ensemble (le film reste quoi qu’il arrive une véritable partie de plaisir où le spectateur est gracieusement convié pour s’en prendre plein les mirettes), Paprika pose les limites d’un cinéma se voulant forcément plus geek et frénétique que le voisin. Une course au "Harder, Better, Faster, Stronger", pourtant détournée de bout en bout durant le film, à l’image de ses ados lobotomisés par le système qui les a transformés en téléphones portable sur pattes.

Fin de cycle douce amère pour Satoshi Kon qui rebondira prochainement dans un univers qu’il promet différent, Paprika, joyeux capharnaüm de tous les instants animé par des intentions toujours sincères, des scènes d’une ingéniosité exceptionnelle, comme toujours chez l’auteur, mais malheureusement trop souvent plombé par un traitement d’une vacuité totale.
Qu’importe le vin, tant qu’on a l’ivresse ?

un sentai, des sentaux (?)

Fri, 24 Nov 2006 13:02:52 +0100

NIKE JAPAN se lance dans une campagne marketing assez loufoque via cette publicité où une armée de héros "sentai" s'acharnent à poursuivre des citoyens lambda dans le quartier électronique de la capitale nippone, Akihabara.

Apple, habillé pour l'hiver

Wed, 22 Nov 2006 16:36:06 +0100

Les créateurs de l'i-pod se mettraient à commercialiser des bâtonnets de glace au fromage qu'on se jetterait dessus sans broncher tant leur publicités sont réussies.

Cliquez sur l'image pour découvrir la petite merveille de logique qui accompagne le lancement du nouvel i-pod shuffle (ah bon? pourquoi ? ah... c'est comme ça ? ok) mais ne venez pas vous plaindre qu'il vous en faut à tout prix un après-ça.

Déjà qu'on ne savait pas quoi faire du premier, alors le nouveau qui ressemble à un pin's...

LA DAHLIA NOIR

Wed, 22 Nov 2006 14:38:44 +0100

un film de Brian De Palma
avec Josh Hartnett, Scarlett Johansson, Aaron Eckhart, Mia Kirshner...
en salles à partir du 9 novembre 2006

La caméra du réalisateur de l'impasse croise la route du romancier James Ellroy pour l'adaptation de son culte DAHLIA NOIR.

Pas la peine de demander à Brian De Palma comment il allait jusqu’ici, il n’aurait pas su quoi vous répondre. Miné par tous les échecs qu’il enchaîne depuis bientôt dix ans (le sympathique mais pas folichon Snake Eyes, l’ofni Mission to Mars et surtout Femme fatale, « lyncherie » du dimanche sauce S.A.S. que seuls ses fans les plus hardcore ont pris le temps de prendre au sérieux), incapable de réitérer le coup de Mission: Impossible, commande à l’ancienne qu’il réussit à marquer de son empreinte d’affabulateur méticuleux, on ne pensait pas avoir de nouvelles du génie derrière (au choix) Carrie, Blow out ou Phantom Of The Paradise jusqu’à la résurrection du projet d’adaptation cinématographique du Dahlia Noir.

Pavé malade et furieux sur le HOLLYWOOD des années 40 traumatisé par la découverte du cadavre d’une jeune actrice sur un terrain vague, premier volume d’une série de quatre romans policiers d’exception (le Quatuor de L.A., où viendront se greffer Le grand nulle part, L.A. Confidential et white jazz), radiographie d’une ville gangrenée par le pouvoir et œuvre cathartique pour son auteur James Ellroy, obnubilé par l’affaire tant elle se rapproche de celle concernant sa mère, retrouvée assassinée dans les mêmes conditions en 1958.

Car plus qu’une simple histoire de meurtre, si sordide soit-elle, l’affaire du <em>Dahlia Noir</em> a vraiment eu lieu dans une Amérique qui tenait là sa premières affaire de tueur en série, bien avant John Wayne Gacy Jr., B.T.K. ou l’affaire du ZODIAC. C’est donc à partir de faits ancrés dans l’histoire du pays qu’Ellroy tisse la toile d’une fiction abyssale pour les deux jeunes policiers (les inséparables Bucky Bleichert et Lee Blanchard) chargés de l’enquête et pour le lecteur. La traque du tueur d’Elizabeth Short les emmènera dans les tripots et les bars les plus glauques de Los Angeles, loin, très loin du mythe entretenu par les studios de cinéma depuis trois décénies.

Dans l’univers d’Ellroy, une bonne partie du district est connue de tous sous le nom de « négro-ville », les haut gradés torturent les prostituées qui leur refilent la chtouille et les seuls tournages auxquels les jeunes actrices qui rêvent du grand rôle participent sont des films zoophiles.
Roman indispensable de la littérature américaine qui révéla le talent de James Ellroy aux yeux du monde en 1989, le projet d’adaptation du Dahlia Noir à l’écran est de l’histoire ancienne.

Longuement mûri par David Fincher, c’est finalement De Palma que l'on retrouve derrière la caméra, suite au désistement du réalisateur d’Alien3 et de Fight Club, écrasé par la démesure de ses ambitions (un film de trois heures trente en noir et blanc, sinon rien !).

Furieuse et obsédante, l’errance de ces deux flics au grand cœur dans un L.A. en marge des paillettes de Hollywood avait tellement tout de « de palmienne » qu’elle revenait logiquement au réalisateur, artisan d’un cinéma culte alimenté par l’implication de l’image dans la société de son pays.

On était donc naturellement en droit d’attendre beaucoup du Dahlia Noir, le film.

Sauf qu’à ce prix-là, on aurait mieux fait de garder nos sous pour aller s’acheter une glace à l’italienne sur l’île Saint-Louis. Complètement à côté de la plaque, De Palma, en plus de traiter son modèle comme un vulgaire roman de gare où deux flics nigauds récoltent leur indices à la canne à pêche, s’acharne deux heures durant à nous faire part de tous les préparatifs de son joyeux suicide de cinéaste sur le bord de la route. Un dépliant d’auto-singerie tellement insupportable que les masques à oxygène sortent du plafond à la moindre scène d’escalier présumée « hitchockienne », à la moindre fusillade, forcée montée au ralenti et sous tous les angles !
Des acteurs qui ont tous l’air de réciter ce qui est écrit sur des cartons géants agités derrière la caméra (Josh Hartnett, aussi expressif qu’un Steven Seagal en plein méditation, peine à convaincre), en passant par le traitement de l’histoire qui contourne toute la substantifique moelle du roman sur l’autel de la fainéantise, on reste sidéré par le plantage général du Dahlia, rendez-vous manqué de talents incontestables.
De Palma a beau s’être entouré des prestigieux Vilmos Zsigmond à la photo et de Dante Ferreti pour les décors, leur contributions exemplaires n’arrivent pas à masquer la vacuité du réalisateur en place.
Alors peut-être suffisait-il de lire la quatrième de couverture de l’édition française du bouquin pour comprendre:
« une écriture si puissante que le livre explose entre vos mains »

Tellement puissante qu’on imagine que Brian doit maintenant ressembler à un démineur atteint de Parkinson tant il est passé à côté de son sujet.

Alors on ne sait pas sur quel pied danser, ni même quand la musique commence, les méninges du spectateur n’étant mises à contribution qu’au moment où les lumières se rallument, quand l’on se rend compte que l’on vient d’assister à un duel entre deux films bâtards qui se sont tiré le plus gros bout de la couverture, cent vingt minutes durant. D'un côté un terrain de jeu où le réalisateur derrière le ratage continue de céder à ses tics de metteur en scène mégalomane les plus horripilants et de l'autre une enquête policière délaissée et sans enjeux, qui évolue en roue libre totale.

Ne subsistent que ces essais de casting en super-8 entre De Palma (reconnaissable à son imposant timbre de voix) et Elizabeth Short tournés quelques semaines avant sa mort. Seuls moments de magie pure magnifiés par l’interprétation saisissante de Mia Kirshner, et seuls instants du film où le réalisateur et son sujet principal finissent enfin par se croiser.

Félicitations !

Wed, 22 Nov 2006 14:24:56 +0100

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